Eigentlich ist Robert Raths damals nach London gegangen, um sein Architekturstudium fortzusetzen. Doch es kam anders. Im WG-Zimmer am Stadtrand mussten Grundrisszeichnungen und Hausansichten Plattenkartons und Cover-Entwürfen weichen – eine gute Entscheidung. Heute fällt der Name Erased Tapes immer dann sehr schnell, wenn es um neue Klaviermusik geht oder der tradierte Begriff Avantgarde mit neuem Leben gefüllt werden muss. Penible Songstrukturen findet man trotzdem kaum, ebenso wenig wie Gesang. Dafür aber jede Menge entschleunigte Instrumentierungen und minimalistische Patterns, die die Dimensionen Zeit und Raum neu erkunden und ausdehnen. 2015 wurde Raths’ musikalisches Netzwerk mit dem britischen AIM Award in der Kategorie „Best Small Label“ ausgezeichnet. Was ist die Erfolgsformel des Gründers? Wie so oft braucht es einen strapazierfähigen Wille, um so ein Projekt überhaupt aufrechtzuerhalten. Entscheidend ist aber auch das gemeinschaftliche Erlebnis von Musik, zu der natürlich auch das Publikum zählt, wie der Labelmacher sagt.

Montagmorgen, 9 Uhr, Robert Raths sitzt gut gelaunt in der Lobby des Berliner Michelberger Hotels. Es ist das erste deutschsprachige Interview über die Geschichte von Erased Tapes. Neunzig Minuten Gesprächszeit fürs verbale Aufrollen von über zehn Jahren Labelarbeit, dann ruft letztere und der 37-Jährige muss zum Flieger. Am Ende setzen wir das Gespräch doch noch im Taxi fort. Robert Raths hat sich seine kölsche Leichtigkeit beibehalten, ist und spricht entspannt, als kenne man sich ewig. Anekdoten werden mit leuchtenden Augen und breitem Grinsen kommentiert, dann wieder denkt er mit ernster Miene nach, spricht über seine Zweifel oder über Dinge, die dem Label schaden könnten.

Was mich oft am deutschen Umgang mit Musik nervt: Viele vergessen, wo wir eigentlich herkommen. Wenn ich an die fabelhaften Konzertsäle denke, an die klassische Musik, an Can und Kraftwerk oder jemanden wie Karlheinz Stockhausen, über den wahrscheinlich die wenigsten etwas gelernt haben.

Ich weiß nicht ob es die Popmusik war, die uns suggeriert hat, dass London und die USA besser wissen, wo der Hammer hängt.

Ich habe vor einigen Jahren Freunde in London mit zu The Notwist genommen, weil sie diese großartige Band gar nicht kannten.

Lass uns über die Anfänge von Erased Tapes sprechen. Wie fing alles an?
Ich wohnte jahrelang in Zone 6, was eigentlich gar nicht mehr London ist. Es war nicht mehr als ein Kellerloch in einer WG. Mit den anderen drei Mitbewohnern hatte ich nichts gemeinsam und ernährt habe ich mich von Tiefkühlpizzen. Dort habe ich das Label geleitet (lacht). Das innere Feuer für die Sache war so stark, dass ich gar nicht gemerkt habe, wie ich hause, bis mich Außenstehende mal darauf aufmerksam gemacht haben. Manche Situationen können dann fast peinlich werden, wenn beispielsweise der Manager eines Künstlers bei dir vorbeikommt und fragt, ob soweit alles läuft. Dann saß ich da mit langen Haaren, nur halb so alt wie andere Labelmanager und die Leute hielten mich für einen Hippie, der nicht weiß, wie man Geschäfte macht. Da spielten Stigmata eine Rolle. Es braucht seine Zeit, bis man so etwas nicht an sich ran lässt und auch nicht klein bei gibt.

Heute wohnst du in dem Haus, das auch als Label-Quartier dient – aber zentraler. Und einige Mitarbeiter sind auch an Bord.
Wir mussten uns räumlich erweitern und mittlerweile bin ich mit meinen sechs Mitarbeitern in Zone 2 gelandet. Ich erinnere mich, als mich Jon Hopkins mal in seine Ecke im Osten Londons eingeladen hatte. Am Victoria Park ist die Zeit fast stehen geblieben und mir gefiel der Ort sofort. Dort gibt es noch viel Platz, und genau das habe ich gesucht. Im Umkreis von einer Meile gibt es keine U-Bahnstation, keinen Souvenir-Shop, nicht einmal McDonald's. Wenn man zu uns kommt, läuft man zehn Minuten durch den Park. Es gibt stattdessen einen Metzger, einen Fischladen, Gemüsegeschäfte, Cafés und Kneipen in der Nachbarschaft, wo sich die Leute noch mit Namen kennen und man sich gegenseitig hilft. Wenn du Teil der Nachbarschaft wirst, dann bekommst du auch überall einen Freundschaftsrabatt und wirst mit offenen Armen empfangen. An einem Sonntag bin ich da vorbeigelaufen und der Besitzer war gerade am streichen, damit es nicht so schäbig aussieht. Das Gebäude war perfekt gelegen, mit viel Potential und dann kam in mir der Architekt durch. Ich habe es von Grund auf saniert, halbe Wände und den Boden im Erdgeschoss durchbrochen und ganze neun Stahlträger installiert. Wenn ich den ganzen Tag in Meetings oder Studios verbringe, kann ich es gar nicht abwarten, wieder nach Hause zu fahren. Dieses Haus fühlt sich das erste Mal nach meinem Zuhause an. Ich kann unseren Freunden ein Bett anbieten, oder auch Künstlern, die kein Budget für ein Hotelzimmer haben.

Vor einem Jahr habt ihr die Sound Gallery eröffnet. Was hat es damit auf sich?
Es fühlte sich irgendwann an, als wäre Erased Tapes nur ein Internetlabel, als träfe man sich im echten Leben – wenn überhaupt – nur bei Konzerten. Für mich war es wichtig, einen Ort zu schaffen, an dem man sich austauschen kann, wo Künstler mit uns die Cover gestalten oder ihre Kunst ausstellen können, wo Besucher auf dem Una Corda spielen können, oder einfach nur einen Kaffee trinken und neue Musik entdecken. Wenn du mal nach London kommst, merkst du sofort, dass das die physikalische Form des Gefühl von Erased Tapes ist. Ein Ruhepol, der zwischen all dem Lärm und Großstadtgewimmel dazu einlädt, Gedanken zu reflektieren. Ich will aber auch nicht undankbar sein, denn ohne das Internet hätte Erased Tapes so nicht stattgefunden.

Wie hat sich das Label in zehn Jahren entwickelt? War die positive Energie immer da?
Ich bin intuitiv und so natürlich auch sehr anfällig, wenn jemand meine Werte, oder das Gefühl nicht teilt. Meine Mitarbeiter kennen das von mir, wenn ich mal wieder mit dem Kopf durch die Wand will und es mir damit selbst schwerer mache. Oft glaube ich aber so fest an diese Sache, dass ich dann immer versuchen will, jemanden zu ermutigen, oder umzustimmen, doch etwas zu riskieren. Und ganz ehrlich, als ich noch alleine war und alles selber gewuppt habe, bin ich ab und zu in kleine Depressionen gefallen und habe mich gefragt: Wofür machst du das eigentlich?

Und was ist heute deine Antwort darauf?
Vor anderthalb Jahren hat sich Rick Rubin wie aus dem nichts bei mir gemeldet. Ich kenne natürlich viele seiner Produktionen und dachte erst, das sei ein Spaßanruf gewesen.

Dann stand Rick Rubin plötzlich vor mir mit seinem Rauschebart, hat sich auf mein Sofa gefläzt und gesagt: „Erzähl mir alles über Erased Tapes.“

Wir haben grünen Tee getrunken und ich habe ihm viele neue Sachen gezeigt, an denen ich zu der Zeit gearbeitet habe. So verrückt es auch klingt, Rick ist ein Seelenverwandter. Ich hatte bis dahin echt alles angezweifelt, weil ich weder geschulter Toningenieur, noch akademischer Musiker bin. Aber ich bin jemand, der mit Seele hört. Er hat mir geholfen, mich selber zu verstehen und meine Arbeit wertzuschätzen.

Wie würdest du selbst deinen Job am besten beschreiben?
Ich bin ein Macher. Ein Kurator, wie auch immer du das nennen willst.

Ich möchte Musik für Menschen zugänglich machen. Deswegen bin ich auch total gegen einen akademischen Ansatz in der Musik, weil das Leute immer ausgrenzt. Genau dafür sollte Musik nicht stehen – sie ist für alle da. Es geht aber auch um Verantwortung, darum, sicherzustellen, dass der Nachwuchs gefördert wird und sich austauschen kann.

Das klingt so, als ob das deiner Meinung nach zu wenig geschieht.
Ich finde, dass viele Leute still stehen, obwohl sie eigentlich so viel Einfluss haben. Schau dir die etablierten, öffentlich-rechtlichen Radiostationen an. Wenn da jemand an entscheidender Position sitzt, der nur seine Rente sieht, und dadurch einfach überhaupt nichts riskiert wird, dann kann es schnell passieren, dass man hinten ansteht. Es gibt aber auch positive Beispiele, wie Mary Anne Hobbs [Radiomoderatorin bei der BBC, Anm. d. Red.]. Sie haut auf den Tisch und sagt: „Wenn wir uns darauf nicht einlassen, dann sind wir zwei Jahre hinterher.“ Sie hat darauf gepocht, dass wir bei den BBC Proms mitmachen. Die Royal Albert Hall war restlos ausverkauft und die BBC hat plötzlich gemerkt, wie stark das eigentlich ist, wenn man etwas wirklich echt und natürlich lässt. Und dann wollen natürlich große Monopoly-Firmen mit Geld um sich werfen, sobald sie merken, dass da eine riesige Zuhörerschaft ist. Major-Vertriebe und Streaming Services, mit ihrer weltweiten Ausrichtung, glauben, dass man ihre Angebote als Künstler und Label nicht abschlagen kann. Ich finde, dass sich dieser Verlockung traurigerweise viel zu viele beugen. Sie merken gar nicht, dass sie ihre eigene Arbeit, ihre Möglichkeiten und Identität zum Teil völlig aufgeben. Und das spürt natürlich auch der Hörer. Deswegen ist mein Hauptjob oft, unsere Freiheit zu schützen, damit das, was wir uns zusammen mit dem Publikum aufgebaut haben, nicht durch die Kommerzialisierung kaputtgemacht wird. Es passiert so schnell, dass du dich unterwirfst – und eine kleine Entscheidung kann riesige Folgen haben.

Wie gehst du mit kreativem Druck um? Auch nach elf Jahren klingst du sehr idealistisch, aber andererseits muss das Label auch Geld abwerfen. Wie gelingt der Spagat?
Das hat etwas mit der Einstellung zu tun. Die Erwartungen auszubalancieren, ist oft nicht leicht. Für mich war von Anfang an klar, dass sich so ein Projekt organisch entwickeln muss, was schon mal mehrere Jahre dauern kann. Außerdem muss man sich auf seine Arbeit fokussieren, denn wenn man zu viele Leute fragt, wird man schnell vom Wesentlichen abgelenkt. Am wichtigsten ist, dass man immer ehrlich und transparent bleibt und die gegenseitige Erwartungshaltung abklopft.

Lass uns über Nils Frahm sprechen. Sein Album „All Melody“ hat ein sehr großes Medienecho ausgelöst und die Tour ist so gut wie ausverkauft.
Nils hat in dieses Album, und den damit verbundenen Aufbau seines neuen Tonstudios im Saal 3 im Funkhaus, soviel Energie gesteckt, dass es mir am aller wichtigsten war, dies mit einem Blick auf alle Details zu unterstützen. Vom kreativen Input in der Mischphase, über Liederauswahl und Covergestaltung, bis hin zu einer gründlich durchdachten, weltweiten Kampagne, mit der wir das Album vorstellen wollen. Die aktuelle Tour ging im Mai 2017 in den Vorverkauf und war bereits in wenigen Tagen zur Hälfte ausverkauft. Und das obwohl noch keiner wissen konnte, dass es überhaupt ein neues Album von Nils geben wird und wie sich das klingen würde. Obwohl man natürlich ahnen konnte, dass da was kommt. So viel Vertrauen von seinem Publikum zu bekommen, ist etwas ganz Besonderes.

Wie seid ihr mit der riesigen Aufmerksamkeit umgegangen?
Das Interesse war immens und wir haben uns gefragt: Was wollen wir eigentlich? Und noch viel wichtiger: Was wollen wir eben nicht?

Wir haben uns zusammengesetzt und demokratisch festgelegt, dass wir zum Beispiel keine Vorab-Singles von „All Melody“ veröffentlichen, dass vorher nichts im Radio gespielt werden soll, dass es keine Remixe gibt, keine Videos und diesen ganzen Kram. Das wäre dem Entstehungsprozess und der Seele des Albums nicht gerecht geworden.

Wir haben uns diese Freiheit genommen und wissen solche Momente sehr zu schätzen, denn natürlich kann man das nicht immer so machen.

Vier ausverkaufte Gigs in Berlin als Auftakt – warum rennen die Menschen scharenweise zu seinen Konzerten?
Nils hat sich das ja über acht Jahre Stück für Stück selbst erarbeitet. Ich glaube, die Leute treibt es zu seinen Konzerten, weil es sie daran erinnert, wie viel du eigentlich mit deinen Händen machen kannst, ohne dafür zwingend den Computer anzuschalten. Dass du viel mehr Kapazitäten hast und dass das Gemeinschaftsgefühl im Raum eines der schönsten Erlebnisse ist, die man haben kann. Ich kann mich aber noch an eine Zeit erinnern, als er auf der ersten Tour kaum mit dem Publikum sprach. Er war einfach viel zu nervös und wollte sich abschotten, um gut durch sein Set zu kommen. Da fragte sich das Publikum oft, ob es dem Künstler eigentlich wichtig ist, dass sie anwesend sind.

Kann man sich heute gar nicht mehr vorstellen.
Er hat von Ólafur Arnalds eine Menge gelernt, nachdem ich sie zusammen auf Tour geschickt habe. Óli war das komplette Gegenteil von ihm, was das anging. Er hat schon damals eine Show aus dem Live-Erlebnis gemacht und viel mit dem Publikum interagiert. Mittlerweile kann Nils mindestens genauso gut mit den Leuten kommunizieren.